Depuis 1997, Arthur Kuggeleyn crée en Suisse, à Berlin et dans l’international theatre research location Schloss Bröllin, qu’il a fondé en 1992. Outre ses spectacles chorégraphiques, il réalise ponctuellement des projets pour des manifestations de grande envergure, tels l’ouverture de l’IFA (Salon International de la Technologie à Berlin) en 2001 et 2003, les 750 ans de la Ville de Frankfort/Oder ou la comédie musicale Hair au théâtre Barnabé de Servion. Il mène également différentes collaborations: Festival International de Danse Ex…it à Schloss Bröllin, Ubu on Ice d’après Alfred Jarry avec Anna Totó Company Berlin, et crée un solo pour le spectacle au succès mondial Hautnah de Felix Ruckert. L’absence de compromis et la contestation des conventions définissent les créations du chorégraphe. En étroite collaboration avec ses danseurs, comédiens et musiciens, il a défini un style propre, reconnaissable à ses boucles sonores et visuelles. La répétition continuelle de mouvements et de sons charge l’espace d’une énergie, qui en se faisant de plus en de plus extatique, déclenche le processus scénique: transe, mise en exposition des corps, mise à nu psychique, actions empruntes d’érotisme et d’humour, tissant ainsi une relation hypnotique entre les interprètes et le public.

Arrivé en Suisse (Lausanne) il y a sept ans pour travailler avec la Cie Philippe Saire, il est resté par amour du pays. Il a depuis dansé pour différentes compagnies (Cie Philippe Saire, Cie Utilité Publique, Jessica Huber, Susanne Müller, Cie Da Motus ! ...), mais a également participé à des court métrages (Joëlle Bacchetta, Philippe Saire) et des pièces de théâtre (Karine Arnold/mercimax, Jean Winiger).
En 2006, il créé l’Association Fluxtendu. Il réalise d'abord deux solos : L’eau close (travail sur la solitude dans des toilettes) et Parti de… (traduction du sentiment de perte) présentés dans le cadre du Festival Les Printemps de Sévelin et au Theater am Gleis à Winterthur. En 2006 également, il organise une exposition-performance multidisciplinaire WC… pour six artistes issus de diverses disciplines.
Mickaël Henrotay-Delaunay se tourne maintenant vers le travail chorégraphique en groupe. Pour lui, la danse est dans l’action. L’intérêt du mouvement d’action est qu’il n’est pas gratuit et très proche de notre quotidien.
Il tente de créer une physicalité quotidienne qui joue avec nos références et notre imaginaire.






photo © Philippe Weissbrodt

Dans ses créations, Estelle Héritier privilégie une approche plastique du corps, cherchant à exhausser la matérialité et l’organicité de celui-ci au travers de sa confrontation avec l’espace physique et sonore qui l’entoure.

Auteur du livre Le Point Zéro - carnet d'un danseur en quête du 7ème sens, qui présente la réflexion et la démarche à l'origine du collectif ADN Dialect, Angelo Dello Iacono travaille sur les liens entre différents univers artistiques. Plus qu'une simple compagnie de danse, ADN Dialect constitue une plate-forme fusionnant arts de scène (danse, musique, théâtre et performance) et arts plastiques (image, sculpture, peinture, stylisme et scénographie). Avec l'ambition de vulgariser la pratique des arts scénoplastiques, ADN Dialect est actuellement active dans le réseau culturel, pédagogique et social au travers de ses spectacles, événements interactifs et surtout de nombreux workshops et échanges culturels qui font dialoguer danse-thérapie, musique et arts plastiques.

Hors des sentiers battus, Cisco Aznar jongle avec toute la magie de la pluridisciplinarité; le chorégraphe cherche à utiliser les techniques existantes, non comme limites, mais comme des outils pour la création d’un langage particulier, unique, singulier, susceptible d’établir un lien véritable entre son imaginaire et le public. Dans ses créations, l’esthétique, le pouvoir d'expression du mouvement, la musique et les films se plient à cette intuition poursuivie et l’accompagnent.

Doris Vuilleumier revendique la simplicité et l'authenticité du geste et se distancie énergiquement des traditions académiques de la danse. Elle crée ainsi un langage chorégraphique très personnel. L'envie de jouer avant tout avec la magie, l'émotion et la poésie, l'amène à tisser des liens avec le théâtre et d'autres formes artistiques. Son approche éclectique du spectacle lui permet de s'adresser à tous les publics, des plus petits aux plus grands, néophytes ou spécialistes. La compagnie Doris V. s'est produite dans plus de 50 lieux, dans 40 villes différentes et dans une dizaine de festivals. Ayant obtenu la confiance de différents partenaires, elle poursuit son travail artistique et pédagogique depuis plus de 20 ans, alors que sa fondatrice fête ses 25 ans de chorégraphie en 2007.

Dépasser la dualité, composer avec la différence, sont des axes de travail chez elle. Dans le choix des thèmes, des danseurs et dans la manière d’aborder la création. Elle explore le rapport complexe et paradoxal entre écriture et improvisation. Entre ce qui est fixe et ce qui est flexible. Dans l’approche du mouvement comme dans la conception du spectacle. Une esthétique influencée par les arts plastiques, intégrant musique originale et (la plupart du temps) de la vidéo. C’est avec Emlék (Nevess Remegve), créé en 1998 à Budapest, que la vidéo est intégrée pour la première fois à la danse. Puis, au fil des créations suivantes, la compagnie développe un procédé qui lie étroitement images vidéo live et enregistrées avec le mouvement et la musique. L’univers esthétique est dès lors comme ancré dans la thématique. En parallèle aux créations pour plateaux de théâtre, des chorégraphies sont créées, en partie in situ, dans des lieux insolites. La relation à un public non averti, dans un cadre singulier, pour dire ou faire ressentir des situations chorégraphiques particulières sont les bases de ces pièces courtes ou performances.

Après un début de carrière comme interprète au sein de plusieurs compagnies helvétiques, Gilles Jobin prend en 1993 la co-direction du Théâtre de l’Usine à Genève. En 1996, il s’installe à Madrid et se lance dans ses premières créations en solo. Bloody Mary (1995), Middle Suisse et Only You (1996).
En 1997, il déménage à Londres avec sa compagne, l’artiste espagnole La Ribot. Ils y vivront plus de 7 ans et il y créera sa première pièce de groupe, A+B=X (trio). En 1998, il crée le duo Macrocosm au Place Theater à Londres et devient chorégraphe résident au théâtre Arsenic de Lausanne et artiste associé d’Artsadmin à Londres. Gilles Jobin affirme alors une écriture chorégraphique hors des cadres esthétiques établis. Une écriture qu’il remet en question en permanence par des incursions dans les arts visuels et le live art, comme avec le projet Blinded by Love (1998) réalisé en plusieurs étapes avec le performeur radical anglais Franko B.
En 1999, il présente A+B=X au festival Montpellier Danse et crée Braindance (quintet) au FAR à Nyon en Suisse qui sera présenté au Théâtre de la Ville de Paris la saison suivante. La presse et le public plébiscitent son travail, ce qui le met au rang des chorégraphes européens les plus talentueux de sa génération et fait de lui l’ambassadeur de toute une génération d’artistes suisses indépendants.
Un second quintet suivra, The Moebius Strip dont la première a lieu au Théâtre de la Ville à Paris en mai 2001. Gilles Jobin a ensuite produit Under Construction, pièce pour 7 danseurs, dont la première a été présentée à la Schaubühne de Berlin en 2002 dans le cadre des Berliner Festwochen et en co-production avec le Théâtre de la Ville de Paris, la Biennale de Venise et le théâtre Arsenic de Lausanne.
En 2003, les pièces The Moebius Strip et Under Construction sont présentées en Europe, en Amérique du Sud et en Afrique du Sud. La même année, il crée pour les 22 danseurs du Ballet du Grand Théâtre de Genève, TWO-THOUSAND-AND-THREE, pièce qui comme l’indique dans son article Marie-Christine Vernay du journal Libération, « transcende classique et contemporain ». La première a lieu le 10 septembre 2003 dans le cadre de la Bâtie Festival de Genève. Cette pièce est actuellement en tournée européenne et a été présentée entre autres, au Festival Montpellier Danse 2004, en Allemagne et en Belgique, ainsi qu’à Paris Quartier D’été et à la Biennale de Lyon. En 2004, il signe également Delicado, une pièce pour les 12 danseuses du Ballet Gulbenkian de Lisbonne, créée le 21 janvier 2004 à Lisbonne.
En mars 2005, il crée Steak House, pièce pour 6 danseurs, au Théâtre Arsenic à Lausanne. Le 11 mai 2006, il crée Double Deux, pièce pour 12 danseurs, à Bonlieu Scène nationale d’Annecy. Ces deux pièces sont toujours en tournée internationale après des représentations en Italie, France, Allemagne, Pologne, Portugal, Brésil... Le 6 mars 2008, il présente Text To Speech à Bonlieu Scène nationale d’Annecy, pièce pour six danseurs et six ordinateurs. Cette pièce tourne en Europe et au Japon -Tokyo et Yamaguchi- à l’été 08.
Gilles Jobin est artiste associé à Bonlieu Scène nationale d’Annecy.
Il est Candidat au XI Prix Europe Nouvelles Réalités Théâtrales avec le soutien de l’Union Européenne.

Sur des thèmes tels que la mort ou la vie prénatale, la chorégraphe s’est entourée de jeunes artistes notamment dans les milieux de la création visuelle et sonore du collectif suisse MO afin d’enrichir sa perception et l’expérience du spectateur. Les artistes de la compagnie sont mus par la volonté d'intégrer les différentes formes d'art qu'ils représentent. Plus que de proposer un voyage, la cie guimerlin cherche à offrir une réflexion sur les incidences de certaines actions ou situations sur tout un chacun. Elle cherche à explorer ce qui conditionne et hante les être dans leurs fonctionnements physiques et émotionnels.

En 2005, Emma Ribbing fonde la Cie Gustav, qui réunit danse, vidéo et chorégraphie. Les projets chorégraphiques, audiovisuels ou multidisciplinaires qu'elle réalise sont toujours des collaborations, notamment avec Patrick de Rham pour la musique et Olivier Mariette pour la lumière.

L’aspect conceptuel de mon travail met en évidence des questions essentielles comme l’idée même de l’acte artistique.
A la frontière du dedans et du hors-spectacle, le jeu interpelle le public en lui proposant une complicité.
Le dévoilement des rouages du théâtre déjoue les attentes par une utilisation subversive et créative des conventions.
Un humour et une jovialité comme traitement de propos grinçants et tragiques.
La physicalité, plus que l'image et l'esthétique, est la matière à travailler.
Ici la danse présente des corps habités, plutôt que stylisés.
Outre ses activités de chorégraphes et de danseur, Jean-Marc Heim s'implique dans diverses structures en relation avec le milieu de la danse. De 1995 à 2005, il organise les Studios-perfos, scène libre expérimentale. Depuis 2002, il est Président de l'AsuDaC - Association suisse des Danseurs et Chorégraphes et en 2006, il a fondé résiDANSE - Chantier chorégraphique qui propose une représentation annuelle.

Né à Gênes en Italie, Marco Cantalupo se forme à l’école de danse du Théâtre de la Scala de Milan, puis à l’Opéra de Hambourg. Après avoir dansé comme soliste dans différentes compagnies (Opéra de Hambourg, Staatstheater Gelsenkirchen, Ballet National du Portugal, Deutsche Oper Berlin, Ballet du Stadttheater de Berne et Béjart Ballet Lausanne), il crée plusieurs chorégraphies pour des compagnies indépendantes en Italie, avant de fonder avec Katarzyna Gdaniec la Compagnie Linga à Lausanne.
En 1992, Katarzyna Gdaniec et Marco Cantalupo sont accueillis comme compagnie résidente au Théâtre de l’Octogone à Pully, où ils créent un espace stable dédié à la recherche chorégraphique. Au fil des années, les créations se succèdent; les collaborations artistiques avec des musiciens, des artistes peintres et des DJ nourrissent les productions qui feront la renommée de la compagnie, invitée aujourd’hui dans les plus importants festivals et théâtres d’Europe et du monde. Plusieurs prix prestigieux ont été décernés à la compagnie et aux chorégraphes, qui ont aussi créé des œuvres pour la Compagnie de l’Opéra de Dresde, du Théâtre National de Mannheim, de l’Opéra de Florence, du Ballet National du Portugal et du Ballet de l’Opéra d’Ankara. En 1995, Katarzyna Gdaniec et Marco Cantalupo remportent le deuxième prix au concours de chorégraphie de Hanovre et le Prix Leonide Massine en Italie. En 2001, ils reçoivent le Prix Jeunes Créateurs / Danse de la Fondation Vaudoise pour la Promotion et la Création Artistiques. En 2003, le Service des affaires culturelles de l'Etat de Vaud octroie à la Cie Linga un contrat de confiance d'une durée de trois ans.

Dans l’élaboration et le processus de travail, danse et vidéo ont souvent la même importance pour Nicole Seiler. La vidéo permet la naissance d’espaces-temps supplémentaires et la modulation des tensions scéniques et dramatiques: jouer avec la réalité, interférer au niveau de la vélocité du mouvement par exemple, engendrer des images auxquelles l’œil ne pourrait accéder sans l’outil vidéo. L'image vidéo offre une manière alternative de mettre en résonance le naturel et l’artificiel. Les projections permettent aussi l’ "existence" sur scène d’autres éléments que le corps; un espace immense de liberté de composition scénique s’ouvre alors pour la chorégraphe.

Danseuse de formation classique et contemporaine, Florence Faure a fait une carrière d’étoile internationale; elle a travaillé avec les plus grands chorégraphes Maurice Béjart, Roland Petit, Serge Lifar. Après le Ballet de Marseille, le Ballet Opéra de Lyon puis le Ballet de Nancy, elle rejoint le Ballet du XXe siècle à Bruxelles ou elle interprète tous les rôles principaux.
En 1990, Serge Campardon et Florence Faure quittent le Béjart Ballet pour créer la Compagnie Nomades-le Loft Vevey. Lors du Festival de la Cité de Lausanne, la Compagnie présente ses premiers spectacles. Le succès publique et médiatique rencontré suite à ces premières représentations encourage ses directeurs à chercher un lieu d’implantation. En janvier 1991, ils s’installent à Vevey et la Compagnie a le plaisir d’investir son nouveau lieu de travail, le Loft. Dès lors, la Compagnie rencontre un succès grandissant et sa renommée ne cesse de s’accroître. Plusieurs productions de chorégraphes internationaux et vingt-six productions de Serge Campardon sont créées au Théâtre de Vevey. De nombreuses et fructueuses collaborations avec des artistes d’univers différents sont mises en place. Des scénographes, sculpteurs, plasticiens, cinéastes, compositeurs, musiciens et comédiens, de paysages culturels divers, contribuent par leur variété d’expressions artistiques de grande qualité aux différentes créations de la Compagnie. Outre les productions créées au Théâtre de Vevey, de nombreux projets sont développés et réalisés au cœur de la cité, en collaboration avec des artistes locaux et le milieu associatif de cette région. En 1999, Serge Campardon, chorégraphe officiel de la Fête des Vignerons, crée une chorégraphie pour 5000 personnes. La Compagnie réalise régulièrement par ailleurs des coproductions avec des théâtres étrangers se produit dans le monde entier et participe à des échanges culturels, pour la plupart initiés par Pro Helvetia, sont régulièrement organisés en collaboration avec les organismes nationaux, les ambassades et le secteur privé.

La Compagnie Philippe Saire compte à ce jour, près de 1'000 représentations dans plus de 160 villes d'Europe, d'Asie, d’Afrique, du Moyen-Orient et des Amériques. Elle se produit régulièrement dans des expositions, des galeries d'art, des jardins et espaces urbains et autres lieux extérieurs à la scène. En 1995, la Compagnie Philippe Saire inaugure son nouveau lieu de résidence, le Théâtre Sévelin 36. Situé à Lausanne, ce lieu est entièrement consacré à la danse contemporaine. Il constitue non seulement un espace de programmation pour des compagnies suisses et étrangères, mais aussi une plate-forme pour le Festival international de danse de Lausanne et Les Printemps de Sévelin. Le Théâtre Sévelin 36 est aussi un lieu d'accueil pour des compagnies ou chorégraphes en résidence de création, ainsi que pour de multiples actions pédagogiques (cours, stages, workshops). Depuis janvier 2006, le Centre lausannois de danse contemporaine (CLDC) a ouvert un nouveau lieu de répétitions et de résidences: Cargo 103.

En 2000, elle reçoit une bourse d’étude de deux ans par la Fondation Pierino Ambrosoli pour l’Académie de Danse Moderne à Rotterdam où elle commence à développer son propre travail chorégraphique.
La compagnie Prototype Status, basée à Vevey, a été fondée en 2003, lors de sa première création en Suisse avec la pièce Eppur Si Scende aux Halles à Sierre et Festival Scènes Ouvertes Neuchâtel.
Dès lors, elle est invitée comme chorégraphe en résidence au Théâtre Lantaren Venster à Rotterdam, et ses pièces sont régulièrement programmées en Suisse et à l'étanger.
En 2004, elle est sélectionnée pour le SIWIC, master classe international pour jeunes chorégraphes à Zurich.
Cette même année, elle reçoit le prix SSA pour le concept de sa pièce "Marvin", jouée depuis à la Semaine Hollandaise de la Danse 2006 à Amsterdam, au Mayday Festival 2006 à Anvers et au Festival Connection 2008 au Danemark.

Le but de la Compagnie est de mélanger les différents corps de métier pour laisser une place encore plus grande à l’expression et à la création. La peinture, la sculpture, le texte ou l’instrument sont des éléments primordiaux pour le travail de la chorégraphe, pour qui la danse doit révéler toute son importance, non pas uniquement physique mais principalement expressive. Privilégiant une "Danse-Théâtre", ses créations sont interprétées par des danseurs, des comédiens, des musiciens, ou des gens du cirque.

Apres avoir travaillé comme interprètes auprès de différents chorégraphes français, Corinne Rochet, Nicholas Pettit et Karine Grasset se rencontrent en Suisse au sein de la compagnie Philippe Saire. Originaires de France et d’Angleterre, ils sont depuis plus de dix ans installés à Lausanne. Ils s’impliquent et participent par le biais de projets pédagogiques, associatifs ou politiques au développement de la danse contemporaine. L’échange et le partage sont à la base de leur constitution et continuent d’être les moteurs de la conception de leurs projets.

Trois éléments permettent de cerner les performances de YoungSoon Cho: le jeu avec le spectateur, la création d’un lien entre art asiatique et art occidental, l’attention portée à la mémoire et aux origines. Un rapport particulier à la matière et aux sensations joue le rôle de trait d’union entre ces trois thèmes principaux. En conviant le spectateur à toucher certains éléments scénographiques, à les sentir, ou simplement à les écouter et à les regarder, chacune des performances de l'artiste convie le public à un partage simple et direct par l’intermédiaire des sens. Les propositions de YoungSoon Cho Jaquet, loin d’être la transmission de l’expérience d’une Coréenne vivant en Suisse et la volonté d’exhiber seulement les particularités de sa culture d’origine, entraînent le spectateur à se confronter à sa propre mémoire et à sa propre appartenance.

Nadine Fuchs est née en 1974 à Berne. A 18 ans, elle entre à la SBBS de Zurich (Schweizerische Ballettberufsschule) afin d’entreprendre une formation de danse qu'elle complète ensuite à l’Atelier Rudra Béjart, à Lausanne. Son tempérament inventif et curieux la conduit à poursuivre son expérience dans des voies contemporaines plus expérimentales, notamment au travers d'engagements au sein de compagnies européennes et de divers workshops.
En 2002, les deux danseurs chorégraphes fondent le collectif Delgado Fuchs. Désireux de tendre des passerelles entre la danse et des disciplines artistiques voisines, Delgado Fuchs multiplie les expériences sans se soucier des étiquettes. Cette indétermination revendiquée se retrouve dans les productions sans parti pris des deux chorégraphes qui préfèrent le questionnement à la démonstration. L’interaction, véritable point de convergence de leurs recherches, se déploie sur des thématiques aussi variées que les relations humaines, le rapport artiste-spectateur, le corps comme écran de sensations ou le mouvement comme réseau de significations. Tour à tour poétiques, grinçantes ou sérieuses, leurs créations ne sont jamais figées. Elles déroulent leur propre langage cinétique et, par le truchement de l'improvisation, leur structure intègre un espace souple dévolu à l'accidentel, au hasard.

Issu d’abord de la danse contemporaine, fortement influencé par le théâtre et collaborant avec un photographe, Le Projet Maurice Thornay cherche à proposer un travail à fort impact visuel et esthétique, combiné à une certaine ironie du «peu de moyens». Les univers et thématiques qu’il développe sont souvent caractérisés par un onirisme grinçant, une ambiguïté des signes, et des références au monde de l‘enfance.

Florence Ineichen est née à Lausanne en 1982, elle se forme en danse contemporaine au Collectif du Marchepied à Lausanne et au Laban Centre à Londres. Parallèlement à un master en histoire de l’art et littérature moderne, elle suit une formation de comédienne à l’école de théâtre Serge Martin à Genève. Elle travaille comme interprète, assistante et chorégraphe pour des projets de danse et de théâtre et en tant que coordinatrice pour la formation continue en dramaturgie et performance du texte de l’Université de Lausanne.

Adina Secretan est née à Genève en 1980, elle se forme en danse classique, contemporaine, et art dramatique au conservatoire de Genève. Parallèlement à des études en philosophie et littérature moderne, elle poursuit sa formation en danse contemporaine au Collectif du Marchepied, à Lausanne. Après l’obtention de son master en 2008, elle achève une formation en animation et médiation théâtrale à la Haute Ecole de Théâtre de Suisse Romande. Elle travaille comme interprète, assistante et chorégraphe pour divers projets de théâtre, danse, jeune public et performance.

Célina Chaulvin axe son travail sur les ambiguïtés propres aux individus, par le biais de la métamorphose du corps, ainsi que de la perception évolutive du regardeur dans phos et scar, puis par le clivage d’intentions entre le corps et le verbe dans goat's song. En tant que porteuse de projets, elle initie des rencontres entre la danse et différentes disciplines artistiques (artistes visuels, musiciens, metteurs en scène…) afin d’en explorer de nouvelles interfaces. Diplômée d’Etat français elle est également pédagogue à l’enseignement de la danse.