Qui ne connaît pas en effet les célèbres chorégraphies des comédies musicales hollywoodiennes ou les films de danse si sexy des années 1970 et 1980 ? Or, parallèlement à ces machines à rêve, il existe une autre production née de la rencontre entre la danse contemporaine et de jeunes réalisateurs qui transforment le genre en terrain d’expérimentation. Au-delà de la question épineuse «comment filmer la danse?», ces créateurs imaginent de nouveaux langages cinématographiques pour parler de mouvement et de corps. En Suisse romande, où la scène chorégraphique se distingue par son dynamisme, le dialogue entre ces deux arts est particulièrement intense et inventif, offrant une production de films variée et de qualité saluée dans les festivals internationaux.

Le temps de cinq séances, l’AVDC puise dans sa collection intitulée «Move-Movie» pour présenter ces réalisateurs qui apportent une importante contribution au paysage du film de danse : Frédéric Lombard, Kamal Musale, Vincent Pluss, Luc Peter, Bastien Genoux, Bruno Deville et Pascal Magnin. Un panorama brillant, qui offre à voir des «classiques» comme des réalisations plus confidentielles et qui intéressera autant les cinéphiles que les amateurs de danse.

La programmation est assurée par Raphaëlle Renken, curatrice en 2008 de «Move-Movie, une exposition sur trente ans de rapports entre la danse contemporaine, le film et la vidéo dans le canton de Vaud» organisée par l'AVDC à l'Arsenic. A noter qu’à l’issue de la séance de 20h30 du 24 avril, les réalisateurs Vincent Pluss et Luc Peter, ainsi que le chorégraphe Gilles Jobin sont conviés par Frédéric Maire, Directeur de la Cinémathèque, pour une discussion autour de la danse et du septième art.

Que faire alors de l’idée de la mort ? Dois-je également l’ignorer ? Oserai-je la fantasmer ? Comment je l’imagine, si je pouvais choisir ma mort ? Pourrait-elle être ironique, touchante, romantique, aventureuse ou absurde ? Au final, la mort me ramène donc plutôt vers la vie.

Troisième opus d’un projet en série intitulé Corps Media, clin d’œil décalé à une danse pratiquée dans les années 50 - qui jouait sur le balancement latéral et répétitif du bassin - Twist repose sur une succession de postures qui s’opposent, pivotent et se relient dans un jeu d’optique avec l’espace, et qui cherche sur le plan du rythme, et de la dynamique, une mise en tension avec la musique. Christian Garcia compose pour l’occasion une partition électro-acoustique qu’il mixera en direct lors de la représentation.

Katarzyna Gdaniec et Marco Cantalupo se sont plongés dans un monde sans soleil pour s’intéresser à ces personnages qui vivent la nuit, aussi séduisants qu’inquiétants. Kiss me good night - ce bisou de bonne nuit que nous demandons depuis l’enfance pour nous rassurer - explore et expose le monde de la nuit et ses mécanismes, posant un regard désenchanté (et dansé) sur le désir charnel. Qu’est-ce qui se produit en nous pendant la nuit ? Qu’est-ce qu’on y cherche ? Est-ce qu’on s’y perd ou est-ce qu’on y trouve son compte ?

La technique du playback fait croire à une vérité; pourtant elle consiste à dissocier l’image de la source sonore pour, sur scène, éviter les imprévus du live ou interpréter des chorégraphies irréalisables en chantant. Dans Playback, Nicole Seiler applique ce procédé et porte une réflexion passionnante sur l’image et le son, maltraitant et utilisant à contre-courant les sources sonores. Jeu de collage entre la danse, la vidéo, la bande-son et le texte, Playback s’amuse avec une grande fraîcheur de ces assemblages, rendant visible les enjeux narratifs d’un spectacle, tout en bousculant nos modes de perception.

La danse est leur passion; ils y consacrent une grande partie de leur temps libre. Ils, ce sont les protagonistes de Living-room dancers. Rencontrés par petites annonces ou par bouche-à-oreille, ces passionnés pratiquent les claquettes, l'electro dance, la danse de couple, etc. Dans Living-room dancers, ils investissent chacun un appartement privé transformé en dance-floor pour un soir.

«L’homme et son incessant besoin de dominer. L’homme et son esprit d’équipe. L’homme et son besoin de prendre des risques, de se confronter, d’appartenir à un groupe… Philippe Saire donne corps aux nombreuses facettes de l’identité masculine avec une chorégraphie forte. Six danseurs expérimentent les relations physiques d’un groupe masculin en s’inspirant des codes du jeu sportif. La puissance du langage corporel direct, par des danseurs généreux jusqu’à l’épuisement.» P.-L. Chantre - programme de la Bâtie

«C’est une drôle de pièce, à l’humour plus grinçant que la dernière. On retrouve les personnages et codes habituels des spectacles du genre, mais tout y est déplacé. Un appel est fait ouvertement à la crédulité du public, une menace joyeuse semble planer sur le tout. Les numéros ont tous à faire avec la disparition. C’est le domaine du simulacre qui est convoqué ici: un monde décalé qui ne cherche pas à imiter le connu, mais qui s’y réfère seulement.» Philippe Saire

Cela ressemble à la réalité, cela a le goût de la réalité, cela bouge comme la réalité, mais les actions possibles sont toujours spectaculaires, défiant toute loi physique. Un univers dans lequel il vous est impossible de distinguer les vrais acteurs des faux, les vrais éléments de décor des éléments virtuels. Y a-t-il un propos sensé derrière tant d’actes de violence acérée et gratuite ? Press to Start s’imprègne de la violence relevée dans les jeux vidéo, aussi appelés productions vidéo ludiques. Ludique et jouissif parce que volontairement et foncièrement immoral et cruel.

Avec deux autres chorégraphes, Corinne Rochet a été invitée par Cathy Marston, directrice du Bern:Ballett pour participer à la création de la pièce chorégraphique Des fois, je … Comment dire … (Auf ein Wort), qui parle de la difficulté à s’exprimer, de la relation à l’autre. Ne pas trouver les mots pour dire, laisser la place à l’incertitude, à la fragilité, à la maladresse.

Attaquer sec mais décontracté. Parler de la vie, de la mort et de sexe. Faire l'économie d'un chorégraphe. Prendre les choses futiles au sérieux. Etre radical sans être radicalement chiant. Eviter les salles où tout le monde sait que personne ne va. Est-ce que c'est important de se raser les poils pubiens pour ce spectacle ? Est-ce qu'il faut tout donner ? Est-ce qu'il faut empêcher le public de dormir ? Mentir. Profiter d'être sur scène pour se sentir beau et sexy. (...) Se demander si c'est de l'art ce qu'on est en train de faire.

La quatorzième saison du passedanse réunit toute la programmation chorégraphique de la Bâtie – Festival de Genève, l’adc (association pour la danse contemporaine), Château Rouge (Annemasse), le Théâtre Forum Meyrin, le Théâtre de l’Usine, le Grand Théâtre de Genève, et l’Esplanade du Lac (Divonne-les-Bains).

A découvrir d'ici la fin du mois le programme des Quarts d'heure, Laura Kalauz au café-théâtre Le Bourg, Perrine Valli, Mickaël Henrotay-Delaunay et Jasmine Morand.

Fly Girl présentée au Théâtre de l’Usine en octobre 2008 mettait en scène un personnage féminin excessif et déséquilibré dans une esthétique fluo pop. Cette fois-ci, Marie-Caroline Hominal invite la bassiste Heleen Treichler et quitte son univers coup de poing pour s'abandonner avec son invitée à un dialogue où toutes les questions sont possibles. Performatif et musical, Yaksu Exit Number 9 questionne les relations entre générations et cette constante volonté de marquer l'histoire qui caractérise encore et toujours la Fly Girl.

« GINA » est un one-woman-show raconté avec le corps. Tantôt pathétique, tantôt sublime, Gina est une jeune femme en pleine forme qui partage son rêve d’une vie extraordinaire : briller sous les feux des projecteurs et déclencher les applaudissements du public. Eugénie Rebetez exploite avec le plus grand détachement les leitmotivs du one-woman-show en les transformant de telle manière que chaque élément devienne propre à son monde. Elle est la reine de l’autodérision et du ridicule. Eugénie Rebetez nous présente avec « GINA » une chorégraphie de l’âme drôle et sensible.

La danseuse et chorégraphe genevoise Barbara Schlittler convoque ses hyper sensations dans ce trio où les sens sont en état d’alerte. Un spectacle malin, tout en rebonds et en chapitres écrit à trois, avec la complicité du metteur en scène et comédien Christian Geoffroy Schlittler. Belle interprète, notamment du chorégraphe français Nasser Martin-Gousset, Barbara Schlittler explique : « Pour naviguer dans le monde de la sensation, il faut convoquer l'intime. Ce spectacle est comme une chronique écrite au fil de l'année, une auto-fiction universelle. Un journal intime sans intimité, comme une vague délicate à la surface de notre inconscient, comme un vague à l'âme, comme une douce déprime optimiste. »

Marier l’énergie de la gestuelle hip-hop à la précision rigoureuse de la danse classique. Unir la beauté plastique des corps à l’intériorité de l’émotion. Sous l’égide du chorégraphe Anthony Egéa, la Compagnie bordelaise Rêvolution transcende avec panache la barrière des genres dans un quadriptyque de hip-hop aussi harmonieux qu’audacieux. Sur une musique classique puis contemporaine naissent quatre actes à la gestuelle plurielle centrée sur un corps en perpétuelle mutation.

Cf. CA SE PASSE PRES DE CHEZ VOUS.